Kenneth Slowik, dyrektor artystyczny Smithsonian Chamber Music Society od 1985 roku, zyskał międzynarodową reputację przede wszystkim jako wiolonczelista i viola da gamba dzięki współpracy z Smithsonian Chamber Players, Castle Trio, Smithson String Quartet, Axelrod Quartet oraz amsterdamskim zespołem L’Archibudelli. Dyrygent Smithsonian Chamber Orchestra od 1988 roku, prowadził Santa Fe Pro Musica Chamber Orchestra od 1998 do 2004 roku i był solistą instrumentalnym i/lub gościnnym dyrygentem wielu innych orkiestr i zespołów, w tym National Symphony, Baltimore Symphony, l’Orchestre Symphonique de Québec, Vancouver Symphony, KwaZulu-Natal Philharmonic, Pleven Philharmonic, Twenty-First Century Consort, Washington Bach Consort i Cleveland Orchestra.
Imponująca dyskografia Słowika obejmuje ponad siedemdziesiąt nagrań, w których występuje jako dyrygent, wiolonczelista, gambista i klawiszowiec, wykonując muzykę od baroku przez klasycyzm i romantyzm do połowy XX wieku. Wiele z nich zdobyło prestiżowe międzynarodowe nagrody, w tym francuskie Diapason d’Or i Choc, „British Music Retailers’ Award for Excellence”, włoską Premio Internazionale del Disco Antonio Vivaldi, dwie nominacje do GRAMMY® oraz liczne nagrody „Record of the Month” i „Record of the Year”.
Dr Slowik prezentował wykłady w całych Stanach Zjednoczonych i uczestniczył w wielu sympozjach na amerykańskich i europejskich uniwersytetach i muzeach. Od 1993 roku jest dyrektorem artystycznym Baroque Performance Institute w Oberlin, wykłada na University of Maryland i American Bach Soloists Academy, a w 2011 roku otrzymał nagrodę Smithsonian Secretary’s Distinguished Scholar Award.
Obecny projekt jest trzecim, w którym Słowik wystąpił w serii Musica Vincit Omnia Fundacji Andrzeja Markowskiego. W 2014 roku został zaproszony do współpracy ze znakomitą polską narodową orkiestrą młodzieżową Polska Orkiestra Sinfonia Iuventus, a także zaprezentował na Uniwersytecie Warszawskim wykład na temat muzyki w życiu trzech waszyngtońskich instytucji kulturalnych: Biblioteki Kongresu, Dumbarton Oaks i Smithsonian.
The Smithsonian Chamber Orchestra
Smithsonian Chamber Orchestra to największy z zespołów tworzących Smithsonian Chamber Music Society. Ma elastyczny rozmiar i skład, w zależności od repertuaru, który ma być badany, ale zawsze czerpie z szeregów najlepszych graczy, niezależnie od tego, czy są to nowoczesne instrumenty, czy historycznie poinformowani wykonawcy. Nagrania SCO, które zdobyły nagrody w wielu krajach, obejmują zarówno Pasje Bacha i oratoria Haendla, jak i dzieła Strawińskiego, Mahlera, Busoniego i Schönberga.
Uwagi do programu
Geneza tego koncertu sięga 2019 roku, kiedy Małgorzata Markowska, prezes Fundacji Andrzeja Markowskiego, omówiła z Kennethem Slowikiem możliwość kontynuowania ich wspólnej pracy w kontekście obchodów powstania II Rzeczypospolitej po zakończeniu I wojny światowej. Markowska wyraziła swoją filozofię: „Dzięki naszym wybitnym Artystom będziemy mieli wyjątkową okazję, aby w kontekście przyjaźni polsko-amerykańskiej podzielić się naszym najgłębszym oddaniem dla odwiecznych wartości najszlachetniejszej sztuki, jaką jest muzyka. Musica Vincit Omnia, rzeczywiście, kiedy mądrość tysiąca lat polskiej historii spotyka się z amerykańską energią we wspólnym duchu umiłowania wolności”. Chociaż pandemia tymczasowo odroczyła plany, cieszymy się, że możemy zaoferować tego wieczoru program orkiestry kameralnej łączący utwory polskie i amerykańskie. Trzy z nich pochodzą z połowy XX wieku, a jeden z samego początku obecnego stulecia. Usłyszymy również nową aranżację pięknej Romanzy, drugiej części Koncertu fortepianowego a-moll Ignacego Jana Paderewskiego, napisanego w 1888 roku, trzydzieści jeden lat przed tym, jak został pierwszym premierem nowego państwa polskiego.
Rozpoczynamy od Koncertu na orkiestrę smyczkową Grażyny Bacewicz, kompozytorki i skrzypaczki, która była drugą polską kobietą kompozytorką, która zdobyła krajowe i międzynarodowe uznanie, pierwszą była Maria Szymanowska na początku XIX wieku. Po ukończeniu Konserwatorium Warszawskiego w 1932 roku z dyplomami w dziedzinie skrzypiec i kompozycji, Bacewicz spędziła kilka lat w Paryżu na stypendium zapewnionym przez Paderewskiego, studiując między innymi u Nadii Boulanger i Carla Flescha. W latach 1936-1938 była koncertmistrzem Orkiestry Symfonicznej Polskiego Radia. Podczas II wojny światowej dawała tajne koncerty konspiracyjne w Warszawie, kontynuując jednocześnie komponowanie. Chociaż jej kariera koncertowa została przerwana przez poważny wypadek samochodowy w 1954 roku, pozostała aktywna jako pedagog i kompozytorka aż do śmierci w 1969 roku. Koncert na orkiestrę smyczkową z 1948 roku jest powszechnie uważany za opus magnum Grażyny Bacewicz. Jest to bezsprzecznie jedno z najważniejszych dzieł muzyki polskiej XX wieku, które po debiucie w 1950 roku przyniosło Bacewicz Nagrodę Państwową III stopnia. Dwa lata później utwór zachwycił waszyngtońską publiczność na koncercie Narodowej Orkiestry Symfonicznej. W 1956 roku utwór został wykonany przez Orchestre National de la Radiodiffusion et Télévision Française pod batutą Jeana Martinona podczas I Międzynarodowego Festiwalu Muzyki Współczesnej Warszawska Jesień, a w ciągu następnych czterdziestu pięciu lat był prezentowany na tym festiwalu jeszcze trzykrotnie. Uważany za jeden z najlepszych przykładów neoklasycyzmu w muzyce polskiej, Koncert na orkiestrę smyczkową jest doskonałym przykładem dążenia Bacewicz do synergii neoklasycznej formy i neobarokowej treści.
Adagio na smyczki Samuela Barbera zostało pierwotnie napisane jako część jego Kwartetu smyczkowego h-moll. Utwór zyskał natychmiastową sławę 5 listopada 1938 roku, kiedy Arturo Toscanini poprowadził orkiestrę NBC podczas premiery pięcioczęściowej aranżacji orkiestrowej młodego kompozytora, w koncercie, który zawierał również Essay for Orchestra op. 12 Barbera. Recenzując transmitowany koncert, wybitny krytyk Olin Downes napisał: „Jest rzeczą oczywistą, że Toscanini dyrygował partyturami tak, jakby jego reputacja zależała od rezultatów. Robi tak ze wszystkim, czego się podejmie. Pan Barber miał powód do wdzięczności za premierę pod takim kierownictwem. A muzyka okazała się wybitnie warta grania… . Jest to produkt muzycznie kreatywnej natury, która nie pozostawia nic, aby osiągnąć coś tak doskonałego w masie i szczegółach, jak pozwala na to jego kunszt”.
Nazwisko „Górecki” zyskało powszechne uznanie w 1992 roku, kiedy to nagranie „Symfonii pieśni żałosnych” op. 36 Henryka Góreckiego z 1976 roku wspięło się na szczyty list przebojów muzyki klasycznej zarówno w Stanach Zjednoczonych, jak i Wielkiej Brytanii. Syn Henryka, Mikołaj Piotr Górecki, obecnie mieszkający i pracujący w Stanach Zjednoczonych, napisał równie nawiedzające dzieła, w tym Concerto-Notturno na skrzypce i orkiestrę smyczkową op. 13, które dziś wieczorem ma swoją amerykańską premierę. Utwór został zamówiony w 2000 roku przez Towarzystwo Muzyczne Musica Viva i po raz pierwszy wykonany na koncercie finałowym V Międzynarodowego Festiwalu Muzyki Kameralnej Lubuska Camerata 2001. Od momentu powstania utwór cieszy się dużą popularnością i znalazł miejsce w repertuarze wielu polskich skrzypków. Składa się z trzech części granych attacca. Część pierwsza ma charakter „nokturnu”, w którym śpiewnemu, lirycznemu tematowi skrzypiec towarzyszą rozbudowane płaszczyzny brzmieniowe orkiestry, tworzące powolny, statyczny przebieg. W przeciwieństwie do tego, druga część to wirtuozowskie Allegro, w którym dominuje żywiołowy ruch z szesnastkami i synkopowanymi rytmami. Najkrótsza ze wszystkich, nostalgiczna część trzecia, ma charakter swobodnej improwizacji na skrzypcach, z orkiestrową fakturą przypominającą część początkową.
Koncert fortepianowy a-moll op. 17 jest jedynym takim utworem napisanym przez polskiego kompozytora i pianistę Ignacego Jana Paderewskiego. Dedykowany nauczycielowi Paderewskiego, Teodorowi Leszetyckiemu, został napisany w latach dwudziestych kompozytora, z pierwszą częścią pochodzącą z 1882 roku, chociaż większość utworu została skomponowana w 1888 roku i napisana w 1889 roku. Po jego ukończeniu kompozytor pokazał koncert swojemu przyjacielowi Saint-Saënsowi, który był nim zachwycony, zwłaszcza częścią andante, zatytułowaną „Romanza”. Premiera odbyła się w tym samym roku w Wiedniu i odniosła wielki sukces, a dyrygował Hans Richter. Aranżacja Romanzy na orkiestrę kameralną, którą usłyszymy tego wieczoru, wykorzystuje trzy instrumenty dęte drewniane użyte w utworze Coplanda, który kończy nasz koncert.
Appalachian Spring Aarona Coplanda miało swoją premierę w 1944 roku i zyskało szeroką i trwałą popularność zarówno w oryginalnej instrumentacji, jak i w aranżacji Coplanda jako suita orkiestrowa. Muzyka, napisana na trzynastoosobową orkiestrę kameralną, została stworzona na zamówienie choreografki i tancerki Marthy Graham ze środków Coolidge Foundation of the Library of Congress. Partytura przyniosła Coplandowi nagrodę Pulitzera w dziedzinie muzyki w 1945 roku. Podczas pisania utworu Copland określał partyturę jako „Balet dla Marthy” – tytuł tak prosty i bezpośredni, jak cytowana w muzyce melodia Shakerów, Simple Gifts. Krótko przed premierą Graham zasugerował Appalachian Spring, frazę z wiersza Harta Crane’a „The Dance”, ze zbioru wierszy w jego książce The Bridge.
O Appalachian Spring! I gained the ledge;
Steep, inaccessible smile that eastward bends
And northward reaches in that violet wedge
Of Adirondacks!
